Thoughts from a militant mind. «Rage Against The Machine», 25 anni dopo

Thoughts from a militant mind. «Rage Against The Machine», 25 anni dopo

L’11 Giugno 1963, un gruppo di monaci buddhisti attraversò le strade di Saigon (capitale dell’allora Vietnam del Sud), diretto verso l’ambasciata cambogiana. Giunti a destinazione, i religiosi si disposero circolarmente per assistere al traumatico spettacolo passato alla storia come “Immolazione di Thich Quàng Duc”:  dopo essere stato cosparso di benzina, Lâm Văn Tức (questo il nome da laico dell’immolato) si diede fuoco e si lasciò, imperterrito, divorare dalle fiamme, circondato dagli sbigottiti confratelli. L’episodio ebbe risonanza mondiale grazie alla ad una celeberrima foto scattata dal fotografo statunitense Malcolm Browne, e giocò un ruolo determinante nella caduta dell’autoritario regime di Ngo Dinh Diem, a causa delle pressioni dell’alleato statunitense (che di lì a poco avrebbe intrapreso il tristemente noto intervento militare nella guerra che vedeva contrapposto il Paese al Vietnam del Nord, comunista) generate dal discredito internazionale seguìto all’immolazione. Thich aveva, infatti, aperto una serie di roghi volontari e di violente proteste della maggioranza buddhista della popolazione sudvietnamita, duramente colpita dalle politiche governative che miravano ad imporre la religione cattolica.

Circa trent’anni dopo, lo scatto di Malcolm Browne divenne la copertina di un disco destinato ad entrare nella storia della musica leggera e ad influenzare un’intera generazione di musicisti, dotato della stessa carica contestatrice del tragico  gesto del monaco vietnamita e in grado di dare vita all’ultima, grande band del panorama del rock mondiale: “Rage Against The Machine”, pubblicato nel 1992 dalla band omonima.

SUCCESSO

Il gruppo nacque in California nel 1991, dall’incontro delle brillanti menti del chitarrista Tom Morello e del cantante Zack De La Rocha. La formazione sarebbe stata a breve completata con l’ingresso del batterista Brad Wilk e del bassista Tim Commerford, legati da precedenti rapporti (musicali e personali), rispettivamente, a Morello e De La Rocha. La line-up, ormai completa, iniziò a scrivere un gran numero di pezzi, attirando in breve tempo l’attenzione di numerose case discografiche statunitensi: la scelta ricadde sulla Epic Records (acquisita nel 1987 dalla Sony, il che porterà, per le ragioni che verranno a breve esposte, a numerose critiche nei riguardi del gruppo), che nel 1992 pubblicò l’album d’esordio del gruppo (appunto, “Rage Against the Machine”).

Il disco, che grazie all’appoggio della Epic raggiunse presto un successo planetario, si compone di 10 tracce di media durata (dai 4:05 minuti di Bombtrack ai 6:07 di Wake Up), ciascuna delle quali destinata ad entrare nella storia della musica leggera: i Rage Against The Machine (nel prosieguo: RATM), infatti, rivoluzionarono totalmente l’ormai declinante panorama del metal statunitense, che dopo l’età aurea degli anni ’80 stava venendo forzatamente estromesso dal panorama mediatico mainstream, infondendovi nuova linfa vitale grazie all’innesto, su strutture compositive, ritmiche ed armoniche proprie soprattutto della sua prima fase, di poderosi influssi provenienti dai generi più disparati.

In primis, per quanto riguarda la voce: De La Rocha, figlio di immigrati messicani socialmente emarginati, aveva nel decennio precedente esplorato le potenzialità dei generi maggiormente politicizzati della scena musicale americana per esprimere il proprio disagio, e dopo una “gavetta” nella scena hardcore punk aveva sviluppato una forte passione per l’hip hop che, in quel periodo, vedeva i propri canoni stilistici assumere la propria forma più compiuta ed elaborata. Al suo ingresso nei RATM portò dunque un dote un cantato ascrivibile appunto alla tradizione hip hop statunitense (allora in via di consolidamento) dotato di una vena di aggressività e di occasionali escursioni in vere e proprie urla che tradivano la sua formazione più propriamente punk, che meglio di qualunque altro potesse esprimere il radicale messaggio portato avanti nei veementi testi, da lui stesso composti in via esclusiva.

INNOVAZIONE

A farla da padrone in tutto l’album è, però, il rivoluzionario e poliedrico lavoro chitarristico di Morello. Rivoluzionario, sì, ma non certo dal punto di vista armonico, se è vero (come è vero) che raramente il Nostro esula da riff costruiti su quelle scale pentatoniche che avevano fatto la fortuna della prima fase del metal e, soprattutto, delle sue espressioni ancora maggiormente legate agli stilemi hard rock portati alla ribalta, a cavallo tra gli anni ’60 e ‘70, dai Led Zeppelin (cui Morello si ispirò dichiaratamente per gran parte della propria militanza nei RATM). Il geniale apporto del chitarrista italo-irlandese-keniota-americano (questo l’articolato pedigree del musicista!) consiste, piuttosto, nell’affiancamento ad un riffing squisitamente settantiano (che in alcuni casi sorregge, con poche divagazioni, l’intero pezzo, come ad esempio in Know Your Enemy) di una strabiliante serie di effetti chitarristici innovativi ed ottenuti in maniera assolutamente eterodossa – tanto che gli album dei RATM divennero celebri per il loro recare, all’interno del proprio booklet, la frase «Nessun campionamento, nessun sintetizzatore e nessuna tastiera sono stati utilizzati nella produzione di quest’album», per prevenire il formarsi, nell’ascoltatore, del ragionevole dubbio che gli inusitati suoni rinvenibili nella produzione fossero stati ottenuti in uno dei modi succitati. Basti ascoltare pezzi come Bullet In The Head e Township Rebellion: ad un ritornello di stampo indubbiamente convenzionale (la chitarra distorta che suona power chords, sorretta dal basso che ne ripete le note fondamentali) fanno da contraltare strofe in cui questo stilema è totalmente destrutturato, per lasciare posto, in entrambi i casi, ad un lavoro ritmico esclusivamente bassistico cui si sovrappongono assurdi effetti di chitarra (ottenuti, rispettivamente, sfregando il plettro sulle corde e pizzicando le corde stesse sulla paletta invece che sulla tastiera).

L’intero lavoro di Morello si regge, insomma, su questa dicotomia tra tradizione ed innovazione: dicotomia che talvolta si esplica, come nei due pezzi appena ricordati, all’interno della canzone stessa, contrapponendo ritornelli assimilabili alla prima a strofe assimilabili alla seconda (secondo un modello che sarà poi portato alle estreme conseguenze in “The Battle of Los Angeles”, del 1999; sempre eccellente, ma privo della freschezza della release del ’92 e, alla lunga, ripetitivo, proprio per il suo insistere su questo schema) e talaltra nell’alternarsi di pezzi pressoché totalmente “canonici” (per quanto questo termine possa avere senso se riferito ai RATM; si pensi alla celeberrima Killing In The Name) e composizioni integralmente rivoluzionarie (Fistful Of Steel). In entrambi i casi, il chitarrista è in grado di lasciare la propria inconfondibile impronta: anche quando, nell’intro di Wake Up, opera un dichiarato tributo alla storica Kashmir dei Led Zeppelin, lo fa raggiungendo il medesimo risultato che si otterrebbe con la convenzionale tecnica chitarristica attraverso un continuo scordare e riaccordare la corda della chitarra durante l’esecuzione stessa, dimostrando così di saper aggiungere il proprio tocco personale anche quando la continuità con il passato è il fine esplicitamente perseguito. Morello si staglia così come un gigante nel panorama dei chitarristi di musica leggera del  XX secolo, dotato tanto di padronanza del linguaggio espressivo più classico, quanto di visionario ed incontenibile estro innovativo, tali da permettergli di sviluppare uno stile totalmente inimitabile – ed inimitato, quasi come se tutti i chitarristi giunti alla ribalta dopo di lui si fossero resi conto dell’irripetibilità di un’esperienza così genuinamente unica nella sua tensione interna tra i due poli.

MILITANZA

I RATM sono, però, più, molto più che una semplice band metal – sempre che il risultato finale del loro mix stilistico-espressivo possa ancora essere definito tale (tanto che, usualmente, viene indicato come alternative metal; etichetta, come si capisce, quanto mai vaga e priva di reale contenuto). Il gruppo ha, infatti, fin dei propri esordi, affiancato alla dimensione strettamente musicale un costante impegno di natura politica che forse, per certi versi, è anzi la vera ragion d’essere della formazione. L’attenzione per temi come il consumismo, la globalizzazione, le battaglie delle minoranze etniche e la causa libertaria, affrontati da una prospettiva marcatamente di sinistra, è frutto essenzialmente dell’apporto di De La Rocha, che, come sopra accennato, vi era stato sospinto dal clima di forte disagio sociale entro cui era cresciuto, e di Morello, il cui avvicinamento al mondo della politica era stato propiziato dall’attivismo della famiglia (il padre, diplomatico kenyota, era a sua volta nipote di Jomo Kenyatta, primo presidente eletto del Kenya postcoloniale). Com’è logico, la forte politicizzazione del gruppo traspare in primo luogo dagli infuocati testi di De La Rocha: dalla traccia di apertura, Bombtrack (vero e proprio flusso di «thoughts from a militant mind», a metà tra un concitato j’accuse nei confronti del capitalismo e del vuoto patriottismo statunitense ed un’ardente professione di fede rivoluzionaria), a quella di chiusura, Freedom (dedicata all’attivista politico Leonard Peltier, condannato all’ergastolo per l’omicidio di due agenti dell’FBI a sèguito di una controversa vicenda processuale), «Rage Against the Machine» si dipana attraverso una serie di canzoni che nulla concedono a temi estranei alla sfera pubblica, i quali vengono, invece, sempre trattati con sferzante schiettezza. Se Killing in the Name, dedicata allo spinoso (e tragicamente attuale) tema del razzismo delle forze dell’ordine statunitensi, e Wake Up, vero e proprio compendio di storia dei movimenti contro la segregazione razziale e della lacerazione da essi prodotta nella società americana (giunte fino a vere e proprie forme di repressione da parte dello Stato), tradiscono l’ispirazione nascente dalle vicende personali di De La Rocha, altri pezzi, come Take The Power Back e Bullet In The Head, affrontano temi più generali propri alle concettualizzazioni della nuova sinistra del secondo ‘900, come l’omnipervasività del consumismo (leitmotiv marcusiano del ‘68) e il carattere repressivo del sistema educativo occidentale. La scelta dell’immolazione Thich come immagine-simbolo dell’album appare, così, pienamente giustificata: idealmente, De La Rocha e compagni si pongono infatti il fine di denunciare, con la medesima intransigenza del monaco vietnamita, le storture del mondo loro contemporaneo, riuscendo peraltro ad incanalare il proprio, radicale messaggio nella forma estetica a ciò più adeguata.

Ciò non esaurisce, però, l’attivismo del gruppo. Per tutto il corso degli anni ’90, i RATM  sfruttano l’enorme notorietà acquisita grazie alla propria musica per compiere gesti eclatanti di sensibilizzazione rispetto alle tematiche trattate nei tre album di inediti di cui si compone la loro succinta discografia. Tra gli episodi più noti, l’annullamento di un concerto nel 1993 per protestare contro la censura nei confronti delle opere musicali (i musicisti si presentarono sul palco nudi, senza strumenti, con le bocche tappate da strisce di scotch e la sigla PMRC – associazione di genitori statunitensi, particolarmente attiva verso la fine degli anni ’80 per prevenire la diffusione di messaggi “diseducativi” – dipinta sul petto) e la partecipazione, nel 2000, alla manifestazione della sinistra no global contro la convention nazionale del Partito Democratico statunitense; ma innumerevoli sono gli episodi di radicale contestazione attribuibili al gruppo nel corso degli anni, come la sistematica prassi di bruciare bandiere statunitensi al termine dei propri concerti. Menzione a parte merita la realizzazione, nel 2000, del videoclip della canzone Sleep Now In The Fire, affidata al celebre regista Michael Moore: il gruppo si fece riprendere mentre suonava, senza autorizzazione, davanti all’ingresso della borsa di Wall Street (peraltro con notevole coinvolgimento dei dipendenti della stessa), causandone la mancata apertura per l’intera giornata.

Era inevitabile che il gruppo attirasse una fiumana di critiche nei propri confronti: come ricordato in apertura, infatti, per tutta la sua esistenza esso fu prodotto e distribuito da una sussidiaria della Sony, multinazionale della tecnologia quotata su quel mercato azionario globale che la sconcertante occupazione di Wall Street (ante litteram) mirava a danneggiare. Dell’ineliminabile tensione che da ciò discendeva era peraltro ben conscio lo stesso Morello, che in una celebre dichiarazione affermò, rivendicando la dignità della propria condotta ed, anzi, la sua perfetta coerenza con le finalità che il gruppo si proponeva, nella misura in cui la dimensione transnazionale della Sony favoriva la diffusione di idee contestatrici:

«Non ci importa predicare per chi si è convertito. È bello occupare illegalmente case abbandonate guidate da anarchici, ma è bello anche saper raggiungere la gente con un messaggio rivoluzionario.»

È però innegabile come il vero perno della portata contestatrice del gruppo non fosse Morello, ma De La Rocha. A sèguito (e, almeno parzialmente, a causa) della vittoria delle elezioni presidenziali americane del 2000 da parte del repubblicano G. W. Bush, infatti, l’istrionico cantante lasciò i RATM, decretandone, di fatto, lo scioglimento.  La scelta venne giustificata con il seguente comunicato:

«Sento di dover lasciare adesso i Rage, perché il nostro processo nel prendere le decisioni è completamente fallito. Non incontra più le aspirazioni di noi quattro collettivamente come band, e, dalla mia prospettiva, ha minato i nostri ideali artistici e politici. Sono estremamente orgoglioso del nostro lavoro, sia come attivisti che come musicisti, così come sono riconoscente e grato a tutte le persone che hanno espresso solidarietà e condiviso questa incredibile esperienza con noi

Come peraltro traspare dalla stessa dichiarazione di De La Rocha, il gruppo era allora minato da dilanianti tensioni interne, principalmente legate al difficile rapporto tra le ingombranti personalità di De La Rocha stesso e Morello, ed è pertanto difficile ritenere pienamente sincera la preponderanza della motivazione politica nella decisione del rapper. È, però, un dato di fatto che, a sèguito della sua dipartita, questi abbia continuato, con il suo progetto solista, la strada dell’attivismo (peraltro non sempre raggiungendo, dal punto di vista estetico, risultati esaltanti), anche a costo di relegarsi volontariamente nel più puro underground; i rimanenti membri, invece, diedero vita al progetto Audioslave, affidando la voce a Chris Cornell, cantante dei Soungarden. Il gruppo, pur caratterizzato dal consueto ed inconfondibile tocco morelliano, si orientò su stilemi completamente differenti da quelli che avevano reso celebri i RATM (componendo comunque pezzi di eccellente qualità e che, peraltro, raggiunsero un notevole successo radiofonico), e bandì pressoché totalmente dal proprio orizzonte le tematiche politiche che avevano caratterizzato, e contribuito a rendere grande, l’irripetibile esperienza precedente. (altro…)

L’Odio (La Haine) : la recensione

L’Odio (La Haine) : la recensione

Ci sono un nero, un arabo e un ebreo. Non è l’inizio di una barzelletta da Bar dello Sport, sono i protagonisti de L’ Odio, film in cui verrà descritta la loro giornata successiva alla guerriglia con la polizia, causata dal grave ferimento del sedicenne Abdel durante un interrogatorio.

Vinz(Vincent Cassel), Saïd(Saïd Taghmaoui) e Hubert(Hubert Koundé) sono degli aspiranti rivoluzionari che passano il loro tempo raccontandosi aneddoti, girovagando per le strade della banlieue di Parigi senza meta e fumando qualche spinello. Il senso di noia è amplificato dalla mancanza di dilatazione temporale, infatti il film si sviluppa interamente nell’arco di una giornata. Giornata in cui tutte le televisioni sono sintonizzate sulle reti che trasmettono gli ultimi aggiornamenti sugli avvenimenti della notte precedente e sulla instabile condizione medica di Abdel.

I tre ragazzi di vita(riprendendo il titolo di un noto romanzo di Pier Paolo Pasolini, che narra le vicende di giovani appartenenti al sottoproletariato urbano) descritti rappresentano dei pannelli distanziometrici dal disfacimento, con Hubert che è il più riflessivo e meno propenso a cacciarsi nei guai, Saïd che si barcamena tra senso di responsabilità e violenza, e infine Vinz, un Accattone in chiave anni ’90, una bomba a orologeria carica di odio verso il sistema, col rischio costante che esploda nella maniera peggiore. Ed Il pericolo che si cacci nei guai da un momento all’altro nasce quando ritrova una pistola persa da un poliziotto durante gli scontri e confida agli amici di volerla utilizzare al più presto per vendicare Abdel. Una situazione che genera tensione negli spettatori, i quali notano facilmente fragilità e contraddizioni di un disperato senza futuro, convinto di diventare un duro facendo credere agli altri di esserlo e mettendosi spesso in situazioni sul filo del rasoio.

Ma se è vero che l’amore genera amore, come ci suggerisce Hubert ‘l’ Odio chiama l’ Odio’, sentimento chiave del film che dunque non è unilaterale:così come la gioventù bruciata lo nutre nei confronti della polizia, quest’ultima non porge certo l’altra guancia e mette nei guai persone innocenti per puri pregiudizi, causa tra l’altro dell’odio provato dalla società verso questi ragazzi.

Come andrà a finire?

L’intro con Burnin’ and Lootin’ di Bob Marley & The Wailers a fare da sottofondo alle immagini documentaristiche di archivio reali raffiguranti la guerriglia urbana, ci immerge già nel clima di chi sta per guardare un film che da ogni appassionato di cinema dovrebbe essere visto come un sommelier osserva uno Chateau Lafite Rothschild. “We gonna burn and loot tonight” cantava Bob Marley, la cui traduzione è “Stanotte bruceremo e saccheggeremo”, e questo sembra essere l’inno dei quartieri di Parigi dove ‘il sole del buon Dio non dà i suoi raggi’, come Fabrizio De André poetava nella sua Città vecchia, quelle realtà popolari di cui l’alta società si disinteressa.
In un’epoca in cui gli esseri umani danno poca importanza a problematiche ritenute di secondo piano, tra cui l’odio con le sue molteplici sfumature che spaziano dal razzismo alla misoginia, appare più che mai attuale questa pellicola del 1995, ed ancora più attuali sono le parole che, nell’aneddoto più famoso del film, si ripete l’uomo che cade da un palazzo di cinquanta piani, facendo da eco alle allucinazioni della società:“Fino a qui tutto bene”.

Questa opera targata Mathieu Kassovitz, vincitore della miglior regia al 48° Festival di Cannes, ha destato, oltre che scroscianti applausi da spettatori e critici di tutto il mondo, scalpore e sgomento tra gli agenti a causa del ritratto brutale della polizia.
La scelta di girare il film interamente in bianco e nero è certamente una scelta coraggiosa, ma coerente col messaggio lanciato:le immagini a colori, infatti, con la loro cromia distraggono e talvolta non trasmettono l’intimità a cui il racconto mira, limitandosi ad una visione spesso più superficiale; il bianco e nero, al contrario, trascende questa superficialità, e nel corso del film ci dona immagini da cui traspaiono i diversi spiriti dei protagonisti.
I virtuosismi tecnici di una regia superba fanno da contraltare ad una trama più che mai lineare, che non confonde lo spettatore, ma anzi lo tiene incollato davanti allo schermo con l’ausilio di una sceneggiatura simbolica(si pensi alla vacca che ossessiona Vinz) condita da discorsi frivoli alternati ad altri con una nuance filosofica.

Da chi sia nato questo odio non possiamo saperlo, ma per dare una spiegazione alla sua onnipresenza possiamo parafrasare il filosofo francese Jean Paul Sartre:

Basta che un uomo odi un altro perché l’odio vada correndo per l’umanità intera”. Imperdibile.

 

La La Land, la recensione

La La Land, la recensione

Forse con un po’ di ritardo, mi sono sentito in dovere di esprimere la mia sul film del momento:La La Land”. Esaltato per la sua atmosfera magica e la sua musica spensierata, deriso per la clamorosa gaffe durante la notte degli Oscar, “La La Land” è, piaccia o no, un film che ha fatto e fa parlare di sé.

La storia d’amore tra Sebastian (Ryan Gosling), appassionato pianista jazz col sogno di aprire un locale, e Mia (Emma Stone, aggiudicatasi la statuetta come miglior attrice protagonista), aspirante attrice e barista negli studi della Warner Bros. per necessità, nasce nella pittoresca Los Angeles.

Inverno. La scena iniziale della pellicola è uno stupendo piano sequenza (tecnica molto usata per tutta la durata del film) in pieno stile musical, in cui avviene il primo incontro/scontro tra i due protagonisti: questo tracking shot culminato in un campo lunghissimo ci immerge totalmente in quel paese dei balocchi per sognatori che è L.A., attraverso l’allegria trasmessaci dagli acrobatici movimenti della macchina da presa.

A contatto col mondo del cinema ogni giorno, Mia ne ammira ogni dettaglio, attrici snob comprese, col sogno di essere un giorno al loro posto. Ma al momento non è che una ragazza disposta a fare ore di fila per poi essere bistratta ad ogni casting, con la speranza che il prossimo andrà meglio. Uscita con le amiche per distrarsi, al ritorno viene ammaliata da un incantevole suono di pianoforte, che la conduce in un locale: il pianista è Sebastian, che non rispettando la scaletta, si diletta col free jazz. Colpo di testa non apprezzato dal suo capo, che lo licenzia sotto gli occhi di Mia, il cui tentativo di complimentarsi con lui viene ignorato.

Primavera. I due si rincontrano ad una festa, e questa volta l’aria è meno tesa. Escono insieme e improvvisano un ballo sulle note di “A lovely night” sul Cathy’s Corner. Sebastian e Mia si danno poi appuntamento al cinema per vedere Gioventù bruciata, ma dimentica di avere già un impegno col suo fidanzato, che dribblerà scappando: è l’inizio della loro storia d’amore.

Estate. Quando Keith (John Legend) propone a Sebastian di suonare per la sua band pop/jazz, qualcosa sembra cambiare tra di loro, o meglio Mia vede qualcosa cambiare in Sebastian, ora preso dal tour con la band, impegnato nel suonare una musica che non gli appartiene.

Autunno. Convinta da Sebastian, Mia decide di dedicarsi anima e corpo alla scrittura di un proprio monologo teatrale, ma alla sua prima, visionata peraltro da pochissime persone, Sebastian non riesce ad arrivare in tempo: è la fine della loro storia d’amore. Mia decide di andare a casa dei suoi per schiarirsi le idee. Quando Sebastian riceve una chiamata da una direttrice di casting presente alla prima di Mia, che la invita a presentarsi l’indomani ad un provino, scappa da lei per spronarla a provarci. Lei segue il suo consiglio, ma malgrado i due si giurino amore eterno, il loro futuro appare incerto e destinato a separarli per sempre.

Inverno di cinque anni dopo. Mia ce l’ha fatta: ora è lei l’attrice di successo che ordina un caffè nel bar nel quale rivestiva il ruolo di semplice barista. È ricca, sposata, ha una figlia e una babysitter. Una sera decide di uscire con suo marito a cena, e attirati dalla musica, i due entrano in un locale:il Seb’s. Il nome del locale le ricorda che fu proprio lei a suggerirlo a Sebastian, se un giorno egli avesse realizzato il sogno di aprirne uno. Accortosi di lei, Sebastian decide di eseguire la stessa canzone che Mia sentì quando venne licenziato, e ciò ci porta a fantasticare insieme agli ex fidanzati su ciò che sarebbero potuti essere se non fosse stato per gli errori di lui, o forse di lei, o se non fosse stato per Los Angeles, che come Saturno che divora i suoi figli nel celebre dipinto di Goya, li ha creati e poi distrutti.

“La La Land”, film pluripremiato del 2016 scritto e diretto dal giovane Damien Chazelle (miglior regista agli Oscar 2017), è un continuo omaggio del cinema anni ’50: dai costumi al sistema di ripresa Cinemascope, passando per le musiche e i continui riferimenti a capolavori assoluti di quegli anni. Grande attenzione viene riposta nei dettagli.
“La La Land” mi ha ricordato molti dei motivi per cui amo la settima arte.

Echo, la recensione

Echo, la recensione

Durante il mio cammino nel corso di filmmaking della National Film and Television School, mi sono imbattuto in ‘Echo’ di Lewis Arnold, un interessante cortometraggio riguardante le vicende della diciassettenne Caroline(Lauren Carse) e del suo disperato bisogno di affetto e comprensione.

Nottingham, tarda mattinata. Caroline riceve una chiamata in cui le comunicano che suo padre ha appena fatto un incidente di moto e si trova ora al City Hospital. La giovane si dispera in maniera evidente, attirando l’attenzione di un uomo e una donna propensi ad aiutarla. Senza che lei lo chiedesse, le vengono prestati dei soldi per il taxi al fine di raggiungere l’ospedale. Ma qualche secondo dopo essere entrata nel taxi, Caroline scende, pagando al tassista qualche spicciolo per il disturbo e prendendosi il resto dei soldi.

La visione totalmente oggettiva dello spettatore lo porta prima ad un profondo dispiacere per la ragazza, e poi ad un forte risentimento nei confronti della stessa e della sua sfacciataggine nel prendersi gioco di passanti comprensivi. Inoltre, questa sensazione di oggettività è rafforzata anche da un particolare della stessa scena: quando l’uomo si avvicina per aiutare Caroline, il suo approcciarsi in maniera pensierosa e taciturna alla borsa poggiata a terra della ragazza ci mette il dubbio che egli abbia la sola intenzione di derubarla.

Quando Caroline torna a casa conosciamo anche la sua famiglia, composta da sua madre (Carolina Giammetta) e suo fratello piccolo Ollie(Oliver Woollford), che le chiedono con preoccupazione il motivo della sua assenza all’uscita di scuola. La sua risposta non convince il fratello, che la segue la mattina seguente trovandola a rifare la sceneggiata dell’incidente del padre. Quando Ollie si avvicina e chiede spiegazioni, il piano di Caroline va a monte, la vittima comprende la situazione e minaccia di chiamare la polizia se l’avesse rivista fare una cosa simile. I due fratelli tornano a casa in treno, e la loro apparente separazione fisica non fa che in realtà farli sembrare più uniti che mai a livello emotivo.

Questa volta la scena appare ai nostri occhi come qualcosa di già conosciuto:non appena la rivediamo alle prese con la stessa recita, proviamo puro disprezzo. Poco dopo, Ollie chiede a Caroline come mai l’uomo di quella mattina fosse a conoscenza dell’incidente del loro padre, ed è qui che comprendiamo a fondo la psicologia della protagonista:tutte quelle messe in scena non erano indirizzate a trarne beneficio economico, ma comprensione e affetto per un trauma non ancora metabolizzato.

Nella scena finale Caroline è seduta in un bar, e la macchina da presa punta sul dettaglio del suo pollice mentre accende la fiamma di un accendino, ampliando la ferita già presente sul dito:questa forma di masochismo ci riporta alla sua persona in maniera profonda. Ha ora luogo una terza telefonata, stesso copione, ma questa volta tutto il disprezzo che avevamo provato per lei nella telefonata precedente, si trasforma in comprensione, elemento chiave di tutto il film e la cui disperata ricerca porta Caroline ad agire disperatamente. Ora il nostro pensiero verso la scena è influenzato dalla nostra conoscenza: stiamo pensando soggettivamente.

‘Echo’ è un lavoro molto valido nella sua semplicità, in cui Lewis Arnold ci fa capire come talvolta la nostra visione della realtà possa essere distorta ed incompleta, e ci possa dunque portare a pensare erroneamente.

foto da: vimeo.com

Captain Fantastic, la recensione

Captain Fantastic, la recensione

Il campo lunghissimo iniziale ci fa capire quanto anticonvenzionale sia la famiglia che verrà analizzata in questo film: ci sono solo alberi ovunque in un verde infinito, una famiglia tradizionale in una foresta così non potrebbe che farci un’allegra scampagnata, con l’ausilio di detergente antibatterico e salviettine precauzionali. Ma non è il caso della famiglia Cash, che in natura trascorre tutta la propria vita, allenata tutti i giorni alla caccia, alla sopravvivenza nei casi più estremi e a sbarcare il lunario attraverso qualche ‘furtarello’ al supermercato da papà Ben, interpretato da un sorprendente Viggo Mortensen. Altro elemento “diverso dalla norma” che salta all’occhio nei primissimi minuti della pellicola è il font del titolo del film.

Tutti, a partire dai figli più piccoli, sono armati di un cinismo surreale e di una conoscenza approfondita delle varie dottrine politiche, e hanno inoltre una visione disincantata del mondo alimentata da conoscenze mediche e dalla lettura dei capolavori più dissacranti della letteratura mondiale. Inoltre, i ragazzi non vanno a scuola, preferendo il padre istruirli autonomamente.

Ma i bambini sono pur sempre bambini, e preoccupati chiedono al padre il motivo dell’assenza prolungata della madre dalla loro vita:col solito cinismo, il padre spiega loro che è ricoverata per la sua depressione causata dalla poca serotonina.
Presto il figlio grande Bo (George MacKay) scopre di essere stato ammesso all’Università in seguito alla presentazione di certificati falsi. Sebbene sia chiara la sua voglia di andarci, egli è combattuto a causa degli insegnamenti anarchici del padre, che non approverebbe una sua formazione accademica convenzionale.

Ben riceve poi una telefonata in cui gli comunicano il suicidio della moglie Leslie, notizia che sarà poi da lui passata con minuzia di particolari anche ai figli. Incredibilmente, neppure l’indomani sarà giorno di lutto: l’allenamento continuerà come al solito. Il suocero di Ben odia il padre, accusandolo di essere causa della morte della sua unica figlia, vittima, a parer suo, dell’instabilità della loro vita fuori dagli schemi.

L’armata Cash va poi a cena dalla famiglia della sorella di Ben, Harper, e il loro pulmino hippie (da loro affettuosamente denominato Steve) viaggia verso la città, circondato dai vari simboli dell’odiato consumismo. La scena della cena tra le due famiglie è il punto chiave del film: lo scontro tra due mondi opposti e all’apparenza inconciliabili. La vita da eremiti della famiglia selvaggia li rende incapaci di relazionarsi con la società, come sarà poi dimostrato da Bo, che confonderà una fugace infatuazione con la storia d’amore della sua vita. La notte che avrebbero dovuto passare in casa con la famiglia di zia Harper, verrà invece trascorsa nelle tende in giardino. E’ emblematica questa separazione fisica, in questo caso voluta, ma in seguito forzata, quando Ben sarà sbattuto fuori dalla chiesa in cui celebravano il funerale di Leslie a causa della lettura delle sue “scomode” ultime volontà, tra cui quella di essere cremata e gettata nello scarico dei bagni. Stanco di questa situazione paradossale, il suocero Jack decide di chiedere l’affidamento dei suoi nipoti intimando a Ben di stargli lontano.

Il punto di svolta nella vita della famiglia sarà quando Vespyr (Annalise Basso), una delle figlie, nel tentativo di prelevare suo fratello Rellian dalla casa dei nonni, cadrà dal tetto: rimane viva per pura fortuna, e questo sconvolge Ben, che l’indomani manderà tutti i suoi figli a vivere a casa dei nonni. Tutto il mondo che il protagonista si era creato sta lentamente crollando addosso, specialmente dopo la scoperta che è stata sua moglie ad aiutare il figlio Bo a falsificare i documenti per l’Università.

Egli comincia a mostrare un lato umano che fino a quel momento sembrava sconosciuto agli occhi degli spettatori, mentre torna nella foresta a bordo di Steve, sulle note della fantastica Varðeldur dei Sigur Ros. Bo sarà infine libero di partire per inseguire i propri sogni, e il resto della famiglia continua a vivere insieme, questa volta in una casa normale, i figli vanno a scuola, ma sono forti dell’esperienza maturata nella foresta, coltivano un loro orto e hanno le loro galline, ora sono davvero felici.

Captain Fantastic, di Matt Ross, vincitore della Miglior Regia nella sezione Un Certain Regard al Festival di Cannes, è un film con uno straordinario equilibrio dei colori, che parla di coesistenza e rispetto reciproco, con la speranza che un giorno si possa prendere il meglio da mondi apparentemente inconciliabili per creare qualcosa di superiore, pur mantenendo le proprie convinzioni, come dimostrato dalla famiglia protagonista, il cui motto continua ad essere “Potere al popolo, abbasso il sistema”. Se poi continuate a pontificare su quale dei due mondi sia quello più giusto, probabilmente di questo film non avete capito nulla.

foto da: blog.screenweek.it

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