I 66 anni del Principe: Francesco De Gregori

I 66 anni del Principe: Francesco De Gregori

Il Principe, alias Francesco De Gregori, lo scorso 4 aprile ha compiuto 66 anni. Raccontare però dal principio la sua lunga carriera è impresa ardua, infatti di lui tanto si è detto, lui stesso tanto ha composto, che sembra quasi superfluo raccontare o dare giudizi. Siamo di fronte ad un gigante della musica e, ci sarebbe poco altro da aggiungere.

De Gregori è uno schivo, uno che nei concerti va dritto come un treno, niente intermezzi, dialoghi, niente riferimenti all’attualità. L’interesse per la politica e la Storia lo dimostra nelle sue canzoni, che parlano per lui, fino al punto che, anni fa, venne persino accusato di avere usato i temi della Sinistra per farsi pubblicità e guadagnare fior di quattrini. L’immagine che abbiamo di lui oggi, è l’immagine di quest’ uomo col cappello, che non toglie mai, un uomo allampanato, che sul palco si muove dinoccolato come Cohen o Dylan a cui si ispira. Lui, che,si dice, nei concerti cambiasse le parole delle sue canzoni, affinché i fan non gli cantassero sopra, non per atteggiarsi a divo, solo per questioni tecniche, confessa, for the show’s sake. Un uomo che fa il cantautore perché ci è nato e non ne può fare a meno , perché si capisce che sul palcoscenico, come davanti ai riflettori, non si sente proprio a suo agio.

Impossibile, poi, è anche ripercorre il mare magnum di tutto ciò che è stato scritto sinora, sono troppe le canzoni che andrebbero spiegate verso per verso. I testi spesso oscuri lasciano poco spazio alla comprensione e, a volte, è difficile decifrarli; li accettiamo infatti serenamente, ci piacciono anche nel loro essere dei rompicapi. Ora le tue labbra puoi spedirle a un indirizzo nuovo: Rimmel da riascoltare e ascoltare ancora, mentre tra chiromanti e pellicce, ci si perde nel testo a dimostrazione del fatto che le parole sono importanti è vero, ma che più importanti sono le sensazioni comunicate, e a volte “non c’è niente da capire”, come dice la canzone omonima.

Oggi, in una sorta di omaggio, ci soffermiamo a cercare di raccontare cinque delle sue canzoni (e sono sempre troppo poche), fra quelle meno note e, le peschiamo qua e là, alternando quelle più politiche a quelle d’amore, per arrivare a quelle rivisitate o prese in prestito.

Un guanto è tratta da una raccolta di incisioni di Max Klinger di fine Ottocento, una graphic novel ante litteram. L’artista si era infatuato di una bella brasiliana che girava per Berlino nel 1878 e che continuò a corteggiare anche dopo che la giovane si sposò.  Molti artisti del XX secolo si sono ispirati all’opera di Klinger da De Chirico a Max Ernst e Dalì (3).  De Gregori segue la storia di questo guanto caduto ad una dama, quella amata da questo gentiluomo, mentre siamo sempre immersi in un’atmosfera da Titanic. Il guanto fluttua attraverso la canzone, il protagonista lo segue, cerca di raccoglierlo ma il guanto, come fosse animato, scompare come la sua padrona.  L’epilogo della storia? Senza spoilerare troppo, possiamo solo dire, usando le parole del Principe, che il guanto si era già posato in quel cielo infinito dove Psiche e Cupido sorridono insieme, dove Psiche e Cupido governano insieme.

La Ballata dell’Uomo Ragno, scritta negli anni di Mani Pulite, è una canzone criptica come e forse più di tante altre. De Gregori sa parlare di politica senza farsi notare, come fa anche nè Il Signor Hood, elogio di Marco Pannella o in Vai in Africa Celestino, in cui pare ce l’abbia con Walter Veltroni. L’uomo Ragno è l’arrampicatore, l’arrivista o così almeno fu presentata in un tour da De Gregori stesso. Erano gli anni in cui un’intera classe politica veniva messa alla berlina, sono anni di delusione, anni in cui anche “gli impensabili” avevano scheletri nell’armadio e quelli in fila davanti al bagno o davanti ad un segno della canzone sono cittadini italiani disillusi. In alcuni versidi questa canzone che è satira pura si celerebbe addirittura la caricatura di Craxi (il capobanda che sembra un faraone e che si atteggia a Mitterrand ma è peggio di Nerone). (1)

De Gregori ha poi una specie di ossessione per navi e annessi equipaggi, barche, reti, marinai, pescatori e Sirene. I muscoli del Capitano, che fa parte dell’album Titanic, diventa una sorta di apologo. De Gregori stesso, in un live, presenta la canzone come la colonna sonora di un evento della storia che dovrebbe assurgere ad ammonimento. La storia del Titanic intera, di questa nave che nemmeno Dio avrebbe potuto affondare, è la storia di un fallimento colossale, che il cantautore romano ci descrive un po’ come un atto di hybrìs, un po’ come invito alla diffidenza nei confronti di chi inneggia al progresso, a nuove soluzioni semplici. Il progresso, affascinante e maschio, come i muscoli di questo capitano, che se vuole,si leva l’ancora dai pantaloni e la getta nelle onde, guida l’equipaggio verso il futuro, ma ahimè, quella volta, il futuro significò la fine.

Caterina è una canzone che ha la stoffa e tutte le carte in regola per essere una canzone d’amore, ma non lo è, perchè, invece, è un ricordo delicato e profondo per un’amica, appunto Caterina Bueno, con cui De Gregori aveva collaborato a inizio carriera. La canzone si apre in maniera dylaniana, con il suono stridente dell’armonica a bocca, il resto è poesia. Il testo è semplice, mentre si parte da un ritratto di questa donna incontrata in un mattino qualunque. Ironicamente De Gregori ricorda nella canzone quanto la Bueno suonasse male la chitarra. Le cinquecento catenelle che si spezzano in un secondo, invece, vengono riprese da una canzone popolare toscana, già interpretata dalla stessa Bueno (2). Il ritornello è un inno d’incoraggiamento di notevole pregio: E la vita Caterina lo sai non è comoda per nessuno/quando vuoi gustare fino in fondo tutto il suo profumo/ Devi rischiare la notte, il vino e la malinconia/ la solitudine e le valigie di un amore che vola via.

La canzone L’angelo di Lyon è il racconto di una storia d’amore quasi straziante. L’idea della canzone in origine fu di Steve Young. La storia parla di uno “stregone”  che, innamoratosi a prima vista, decide di mettersi alla ricerca della donna amata, descritta all’uso stilnovistico. L’uomo abbandona le sue ricchezze, facendo voto come San Francesco, tanto da sembrare uno straccione, tanto da impazzire. Il testo fu tradotto da De Gregori, e non si sa nemmeno se la donna in questione fosse reale, uno spirito o un’allucinazione..

Le storie e le interpretazioni (azzardate) delle canzoni del Principe sarebbero ancora tante e poi altre tante, insieme alla disarmante bellezza di altre canzoni che vorremmo almeno citare, da Souvenir a Signora Aquilone, Piccola Mela e Gambadilegno a Parigi, da Bambini Venite Parvulos a Le storie di ieri e a Il cuoco di Salò. Una carriera degna di tutto rispetto la sua, lui stesso un cantautore di quelli con la C maiuscola, la voce dell’Italia dagli anni 70 a oggi, ancora fonte di ispirazione per gli artisti contemporanei. Sappiamo che a lui non piacerebbe essere definito Principe della musica italiana, icona, né tantomeno poeta, ma è quello che è, e con grande rispetto misto quasi a devozione gli auguriamo buon compleanno, consapevoli che sempre e per sempre dalla stessa parte ci troverà.

NOTE:

(1)Il sermone di un predicatore postmoderno. La ballata dell’Uomo Ragno di Francesco De Gregori, in Paolo Squillacioti, (http://www.academia.edu/9215800/Il_sermone_di_un_predicatore_postmoderno._La_ballata_dellUomo_Ragno_di_Francesco_De_Gregori)

(2) Diapasone, coanzoni compresse orosolubili, http://diapasone.altervista.org/caterina-francesco-de-gregori-significato-interazioni-effetti-collaterali/

(3)ArtMSko Ahttps://artmasko.wordpress.com/2009/12/02/parafrasi-sul-ritrovamento-di-un-guanto-storia-di-un-amore-impossibile-e-di-unossessione/

Foto: Dagospia

POP_X: l’indie è quasi morto, chiamatelo pure elettropop

POP_X: l’indie è quasi morto, chiamatelo pure elettropop

Guardando i loro video allucinati e surreali (ne viene pubblicato anche più di uno a settimana) non si direbbe mai che Davide Panizza, genio o folle attorno al quale gravita il progetto POP_X, possa essere un padre di famiglia. E invece è proprio così. Della vita privata di questo personaggio strano ed estremamente eccentrico non si conosce molto, se non che ha certamente almeno un figlio, proprio quel figlio a cui Calcutta aveva offerto in regalo in tempi non sospetti, l’unica cosa che poteva permettersi, l’oramai famosissima Oroscopo (già, siamo sempre nel nuovo pop nato da una costola di quell’indie italiano che non sa più bene cosa sia realmente, sempre che sia mai esistito davvero).

Più che una band, si definiscono performers: il loro è un progetto musicale e audiovisivo. Il trash, l’estetica kitsch e le proiezioni lo-fi, con una grafica degna di un dodicenne alle prese con Paint, sono i loro biglietti da visita. Ma chi sono i POP_X? Il gruppo si forma a Trento, quando in realtà Panizza e Biondani avevano precedentemente militato nel gruppo Jengiskà. Davide Panizza, si è detto, ma anche Walter Biondani, Luca Babic, Niccolò di Gregorio, Andrea Agnoli. In realtà i nomi non contano più di tanto, questo perché durante un loro live sul palco potreste trovare chiunque: dai loro amici convocati per spogliarsi e ballare scoordinatamente. sino a pubblici casuali, cui viene affidato un microfono ed un qualsiasi oggetto da mettere in testa.  È certamente questo l’elemento caratterizzante e che suscita tanto entusiasmo nei loro live. Chiunque ne abbia desiderio, può sentirsi parte di questa scoordinata e delirante carovana di lucine ed effetti dagli echi vaporwave. Il punto di forza è dunque il clima di euforia collettiva che si viene a creare. Rolling Stone, in un recente articolo, ha parlato di “un’agitazione mista ad ignoranza cinetica”, definizione azzeccatissima. Mentre la Repubblica li ha definiti “folli contrabbandieri di elettropop”.

Troppo ardito l’accostamento con il Living Theatre di Julian Beck e Judith Malina? Non se pensiamo all’importanza dell’happening come strumento di realizzazione dell’equazione Arte=Vita. Avanguardia quindi. Durante la serata di presentazione del film dei The Pills all’Ex Dogana a Roma, l’ormai celeberrimo (su Facebook) “er Bassista de Calcutta”, nonché ex membro dei Vanilla Sky, che ricordiamo tutti per il meraviglioso video parodia di Umbrella di Rihanna, ha ironicamente (oppure no?) definito Panizza come il nuovo Battiato.

È abbastanza evidente, anche guardando agli altri soggetti citati, che il fenomeno abbia inevitabilmente affondato le radici nel web e trovato nei vari social network un certo sviluppo. Si tratta di un elemento sconvolgente e da non sottovalutare: il gruppo nasce nel 2009 e fino al 2015, quando l’etichetta Dischi di Plastica pubblica un best of, i pezzi sono semplicemente sparsi su Youtube. L’esplosione vera e propria del fenomeno POP_X, sulla cui pronuncia circolano tra l’altro diverse versioni proposte dagli stessi componenti, si è avuta con il passaggio all’etichetta Bomba Dischi, ormai fortunatissima grazie al già citato Calcutta. Ma non è un caso che tale momento abbia coinciso con la spinta da parte di un ‘fandom’ estremamente consistente e straordinariamente influente nella creazione di una vera e propria sottocultura con proprio linguaggio specifico anche metalinguistico. Basti guardare al fenomeno Indiesagio, pagina Facebook che ha riunito quasi 30.000 appassionati veri e non del nuovo indie italiano, anche attraverso raduni sempre più frequenti che hanno portato all’emersione di nuovi gruppi ormai portati all’attenzione di molti locali in tutta Italia.

Il politicamente scorretto per questi ragazzi è pane quotidiano, dai “froci con le nike” al quasi turpiloquio delle loro canzoni. In un’intervista ai giornalisti stessi di Repubblica che chiedevano loro quale fosse la loro missione risposero:

Benedire tutti, a proposito segnalo l’inchiesta di Edoardo Camurri che uscirà su Linus di Dicembre che ha analizzato il progetto Pop X rivelandone l’essenza magica e oscura. Non c’è nessuna missione, c’è piuttosto una forza subrenatural che opera in ognuno di noi come nei porci abitati dal demonio di Gerasa. Per chi è interessato ad approfondire  consiglio di acquistare la versione cartàcia.

Dunque un fenomeno da approfondire, non tanto per l’aspetto qualitativo, certamente visionario ma non eccelso, anzi in alcuni casi definito da molti mediocre, quanto perché testimone di un passaggio fondamentale nelle strategie di comunicazione tra band e pubblico, che vanno ben oltre l’abbattimento della quarta parete.

Silvia Casilli

Giorgio Canali: canzoni d’amore e d’anarchia

Giorgio Canali: canzoni d’amore e d’anarchia

Chi lo conosce sa che è un’artista scomodo, di quelli che non hanno peli sulla lingua, un contestatore nato ma anche un professionista della musica. Giorgio Canali comincia come tecnico del suono accanto a gruppi come la PFM e I CCCP, e, come è facile che possa  accadere, poichè l’appetito vien mangiando, mette su i Rossofuoco, gruppo di cui diventa frontman .

Nasce a Predappio, paese di Mussolini, con cui ha ben poco da spartire, lui che ha scritto piu di una volta odi alla Resistenza italiana. Ha vissuto per un periodo in Francia, dove ha collaborato con i Noir Desir. Non tutti sanno che è stato poi lui il fondatore dei CSI e dei PGR con alcuni dei vecchi membri dei CCCP, in cui ha anche suonato come chitarrista. Un curriculum ricchissimo il suo, che lo vede anche in veste di produttore del primo disco dei Verdena, per fare un nome, e come collaboratore di diversi gruppi fra i quali gli Afterhours.(1)

La parte più interessante però è quella lo vede in veste di cantautore. Cinque sono gli album alle spalle: se ne contano tre con i Rossofuoco e due  da solista, l’ultimo viene pubblicato a suo nome nel 2016 e si intitola Perle per porci. Giorgio Canali, come dimostra la sua carriera, è un artista poliedrico, lo si  nota anche nelle sue canzoni dove non tiene affatto un unico registro. Si passa dalla politica a canzoni più intime, utilizzando sempre un cinismo caustico che arriva diretto all’orecchio e all’animo dell’ascoltatore.

Rojo del 2011 con i Rossofuoco è uno degli album più politici. Canali  cha ha sempre atteso la rivolta, non come una chimera, ma come un qualcosa di probabile, esprimendosi in invettive anarchiche contro uno stato che secondo lui mostra sempre più derive autoritarie,in questo album, poichè sente che la situazione politica in cui viviamo è pessima, non si pone alcun freno nel condannare chiunque, sentendosi libero anche di utilizzare il suo peculiare sarcasmo. Più volte, allora, l’artista si è espresso contro gli abusi di potere delle forze dell’ordine, come accade in Falso Bolero o con la dedica dell’album Tutti contro Tutti a Federico Aldovrandi ucciso a Ferrara da degli agenti di polizia nel 2005. Le sue sono quindi canzoni che ritornano attuali, alla vigilia dell’ultima sentenza sul caso Cucchi. Bisogna essere allora molto arditi per trattare temi così delicati, si potrebbe rischiare l’esclusione dal mercato discografico, finire nell’ “indice degli album proibiti”, come è già successo allo stesso Canali, con la canzone Lettera del compagno Lazlo al colonnello Valerio. Valerio nella realtà Walter Audisio, ovvero colui che fucilò Mussolini. A causa delle bestemmie presenti nella canzone, questa non viene pubblicata e viene esclusa dalla raccolta Materiali resistenti (2)

La delusione è palpabile nelle sue canzoni, che diventano le colonne sonore di un paese alla deriva. Non crediamo sia nemmeno una descrizione dello stato italiano in particolare, bensì una critica generale al sistema. Si inneggia all’insurrezione e i ritornelli non possono che essere slogan, come in Morire di noja dove Canali chiede una rivolta al giorno nell’ora dell’aperitivo. Le sue canzoni però, come si è già detto, sono come le montagne russe: dallo spirito rivoluzionario si passa alla delusione degli amori finiti, come in Lezioni di poesia,  in cui manda a quel paese i ciarlatani che pretendono di insegnare la poesia, mantre lui non riesce a schiodarsi dalla mente il pensiero della donna che amava, scrivendo così una contro-canzone d’amore. Ma il modo di Canali di raccontare l’amore non è avulso dal contesto socio-politico, bensì diviene strumento di critica e analisi dello stato politico e sociologico attuale, come in Controvento che ha come scenario la Primavera Araba. Canali, anche per questo, lo si può includere tra quegli artisti che praticano il cantatautorato con impegno civile, come lo era la poesia di Pasolini ai suoi tempi.  Non si risparmia nemmeno in Sai dove in cui parla anche dell’assurdità di non avere ancora una legge sul testamento biologico in Italia,  un altro tema che ritorna attuale in questi giorni, dopo la morte “programmata” di dj Fabo.

Canali è bravo a sparare nel mucchio è uno di quelli a cui non va bene niente: la società, le storie d’amore comunemente intese, il sistema politico, le convenzioni, a Canali direbbe Gaber “gli fa male il mondo“, ma nonostante questo, rimane in lui l’interesse di di svelare alcune verità, l’intento di criticare aspramente, non per distruggere ma, forse, per ricostruire il distrutto. Non è facile mandare giù e osannare chi delle regole del sistema se ne frega, chi non ha alcun riguardo per quello che dicono i più, però per questo l’artista romagnolo è un rivoluzionario, uno che con le sue canzoni ti prende dritto a pugni nello stomaco.

Canali è poi musicista e un musicologo a tutto tondo, e, spesso si colgono nelle sue canzoni riferimenti a grandi della musica del passato, italiani e nonNuvole senza Messico, per esempio,  èun chiaro riferimento a Jannacci, che nel frattempo diventa la descrizione di una fenomenologia dell’amore catastrofica, quella di un cuore anoressico ossessionato da ciò che è stato.

I ritmi delle sue canzoni, invece, sono quelli del rock’n roll: i riff di chitarra sparsi qua e là si alternano a passaggi in cui si rabbrividisce al suono dell’armonica a bocca di dylaniana memoria. Canali resta “fedele alla (sua) linea”, così duro e intransigente che non si può non apprezzare quella vena indipendente e fiera di chi continua a scalpitare a denunciare senza censure.

NOTE

(1)Giorgio Canali: Discografia, Biografia, Concerti e molto altro su Rockol nella pagina Wikipedia dedicata all’artista

(2) Canzoni contro la guerra – Lettera del compagno Lazlo al colonnello Valerio, nella pagina Wikipedia dedicata all’artista

Foto: http://www.pietraiadeipoeti.it

Battisti oltre Mogol: gli album bianchi

Battisti oltre Mogol: gli album bianchi

Tutto mi spinge verso una totale ridefinizione della mia attività professionale. In breve tempo ho conseguito un successo di pubblico ragguardevole. Per continuare la mia strada ho bisogno di nuove mete artistiche, di nuovi stimoli professionali: devo distruggere l’immagine squallida e consumistica che mi hanno cucito addosso. Non parlerò mai più, perché un artista deve comunicare solo per mezzo del suo lavoro. L’artista non esiste. Esiste la sua arte.

Lucio Battisti - Don Giovanni cover 1986

Lucio Battisti – Don Giovanni cover 1986

Sono le parole di Lucio Battisti nella sua ultima intervista pubblica. Sono parole quasi arrabbiate, di un artista che non si sente più a suo agio con l’immagine di icona pop attribuitagli negli anni precedenti, quelli del maggior successo. Lucio Battisti, si avvia in questa fase a riscrivere la storia della musica italiana. Fa una scelta difficile, si ritira dalle scene, e per questo, per chi non lo capì, il suo fu un gesto di falsa modestia, aspramente criticato e contestato da critica e fan. Ma Lucio, con un gesto di profonda onestà intellettuale, decide che val la pena applicare il canone dell’ art for art sake, solo per il semplice piacere di spingersi oltre i confini della musica contemporanea.

Tutto comincia con un incontro fortuito con il poeta Pasquale Panella, grazie ad Adriano Pappalardo nel 1980: qui comincia una fase diversa, una fase che ci consente di dire che negli ultimi album, i celeberrimi e contestatissimi album bianchi, Lucio Battisti smette di fare canzonette e si eleva, dimostrando tutta la potenza del suo genio.

Lucio Battisti e Mogol

Lucio Battisti e Mogol

Gli album in questione sono cinque, definiti album bianchi, per il fatto che il cantante ne disegna a mano le copertine, con sfondo bianco su cui emergono semplici tratti, quasi scarabocchi puerili (1). Il genio musicale incontra la poetica di Panella e questo binomio se non fortunato come quello costituito con Mogol, appare di un pregio elevatissimo. Pasquale Panella si muoveva già da tempo nella scena musicale e della letteratura italiana. Prima di incontrare Battisti, aveva infatti già scritto per Enzo Carella e per il teatro. Il paroliere più volte definito ermetico, dadaista e futurista dà un tocco di avanguardia alle musiche dell’artista romano, che al contrario di quanto accadeva per le canzoni scritte con Mogol, vengono dopo la scrittura dei testi.(2)

Lucio Battisti - L'apparenza cover 1986

Lucio Battisti – L’apparenza cover 1986

Già nel 1988, L’apparenza, secondo album bianco dimostra quanto non ci si ritrovi più di fronte al Battisti de’ La canzone del Sole. Il linguaggio è forbito, le immagini minimal ma efficaci. I ritmi richiamano il rithm’n blues di cui Battisti era molto appassionato, ed anche l’elettronica. I cultori di Battisti ne parlano spesso come si parla dei Beatles, ovvero si dice che Battisti abbia sperimentato ogni sorta di genere musicale, prima ancora che alcuni di questi fossero catalogati come generi musicali. Battisti, inoltre, esce con tutta la forza che ha dall’etichetta di cantante nazional-popolare, si guarda indietro e quasi non si riconosce. La scelta del cantante romano è elitaria ma giustificabile con il fatto che l’istinto del genio  brama nuovi percorsi. Il risultato però è che tutti e cinque gli album fecero calare vertiginosamente le vendite. I testi, poi, sono pieni di immagini spezzettate, apparenti nonsense, onomatopee, aulicismi, accompagnati dagli usuali falsetti. Nonostante ciò,  questo divincolarsi di Battisti dalla precedente immagine avviene gradualmente, infatti il vecchio Lucio ritorna in pezzi come Per Nome e Don Giovanni.

Lucio Battisti - La Sposa Occidentale cover 1990

Lucio Battisti – La Sposa Occidentale cover 1990

Nel 1986, l’aveva preceduto l’album Don Giovanni, in cui Panella supera Battisti: i virtuosismi in Le cose che pensano, dove i passati remoti sono la chiusa di quasi tutti i versi e confluiscono in un insieme di assonanze che hanno lo scopo quasi di dilatare il tempo, come quando l’amore finisce e si vuole rimandare all’infinito la realizzazione di ciò che è successo. Sono abili giochi di parole per descrivere ciò che resta dell’amore, quando l’amore non c’è più, quando restano solo gli oggetti e i ricordi. Panella sa anche bene dove andare a parare con le immagini, accostando frasi che sembrano proprio non centrare le une con le altre, che confondono l’ascoltatore, sfuggono. Perchè, si, Panella è Dada, è anche Aldo Palazzeschi, ovvero il Futurismo.

Se sbatti un addio c’esce un’omelette.
Le cosce dorate van fritte.
Coi sorrisi fai croquettes.
E tu dici ancora che non parlo d’amore.
Batte in me un limone giallo basta spremerlo.
Con lacrime salate agli occhi tuoi,
ben condita amata t’ho. (da Fatti un pianto)

A chiudere questo album, nel lato B, c’è Il diluvio, che potrebbe benissimo essere una reinterpretazione, tra la beffa e il reale de’ La pioggia nel Pineto. Piove anche qui, e anche qui i due protagonisti sono un uomo e una donna. Come D’Annunzio seppe dare un tono al rumore che faceva la pioggia sulla vegetazione e reinterpretare la pioggia come metafora di rinascita, così Panella descrive in maniera moderna l’acquazzone come metafora di vita (tragicomica).

Lucio Battisti - Cosa succederà alla ragazza cover 1992

Lucio Battisti – Cosa succederà alla ragazza cover 1992

Così si arriva al terzo album, La sposa occidentale, che segna quai una sorta di pareggio fra questi due geni. Ne’ I ritorni, lo stream of counsciousness regna sovrano, mentre si descrivere il ritorno sia nell’amore che nella vita,con versi che restano sempre confinati nell’area dell’inafferrabile.

Il quarto album C.S.A.R., acronimo che sta per Cosa succederà alla ragazza in cui si distingue il pezzo La Metro eccetera, che è descrizione di luoghi affollati in cui ci si sente soli, in cui ci si incontra senza incontrarsi mai in realtà. Si parla di luoghi dove tutto potrebbe succedere, ma non accadrà mai, in cui decine di vite si scontrano camminando però sempre su strade parallele, come in una solitudine di numeri primi.

Battisti e Panella mettono, poi, il punto con Hegel, copertina dell’album una E, Come the end, perché questo è il testamento musicale di Battisti, oltre ad essere l’album più oscuro e incomprensibile di tutti.

Lucio Battisti se ne va così,  il 9 settembre 1998, lontano dai palchi che per più di  vent’anni ha calcato, se ne va incompreso dai più, come i geni, sul più bello perché Hegel probabilmente segnava l’inizio di un’altra fase ancora. Un artista che l’Italia ha visto crescere, evolvere : visionario, istrionico, colto e appassionato. Battisti diventa quindi esempio del genio, di chi rifiuta gli onori per perseguire l’arte, per il semplice gusto di farlo, il bambino che non perde la  meraviglia  e vuole ancora scoprire e sperimentare, che offre il suo talento musicale ad un poeta di alto calibro quale è stato Panella.

Lucio Battisti - Hegel cover 1994

Lucio Battisti – Hegel cover 1994

Al di là delle simpatie o meno che tutti possiamo provare per il cantante, questi ultimi cinque album sono la prova che qualcosa di grande è accaduto in questa fucina musicale in cui Battisti e Panella si porgevano la mano. Gli ascoltatori, anche i più scettici, non possono che restare inermi e affascinati dai ritmi e dagli estrosi incastri di parole perfettamente calzanti con le melodie sincopate create da tastiere e basi elettroniche. Restiamo allora quasi come si sta davanti ad un quadro di arte moderna, consapevoli di non aver tutti gli strumenti per comprenderlo, ma altrettanto certi che si è di fronte a qualcosa di originale e intramontabile destinato a cambiare il corso degli eventi.

Note

(1) pagina Wikipedia dedicata all’artista

(2)Lucio Battisti, Un’emozione italiana, di Francesco Buffoli, ondarock.italia

Domenica Letteraria – Cinquant’anni senza Luigi Tenco

Domenica Letteraria – Cinquant’anni senza Luigi Tenco

In copertina, Luigi Tenco in un concerto privato durante il Festival di Sanremo. Originale qui

“Nella notte del 27 Gennaio 1967,  l’artista, cantante e compositore Luigi Tenco venne scoperto suicida nella sua camera d’albergo a Sanremo. In seguito vennero svolte diverse indagini sulla veridicità dell’accaduto, ma non ci fu alcuna prova che testimoniasse una sorta di omicidio, perciò il caso venne archiviato e riposto nella sezione dei misteri irrisolti.

Eppure, la memoria di coloro i quali gli erano stati accanto non lo aveva dimenticato: Dalida, De André, Dalla e tanti altri, ma soprattutto Amilcare Rambaldi, un esportatore di fiori amante della musica che, per una serie di eventi, venne nominato membro all’interno dell’organizzazione di Sanremo. Egli fu profondamente toccato dal triste evento e decise di istituire un sodalizio di appassionati di canzoni d’autore, a nome dell’artista, per sostenere la canzone d’autore non solo italiana, ma internazionale.

Il Club Tenco nasce nel 1972 e negli anni è divenuto il più prestigioso organismo del settore dell’industria musicale, grazie anche all’introduzione dal 1974 della “Rassegna della canzone d’autore”, manifestazione che prevede due riconoscimenti per i vincitori: il Premio Tenco assegnato direttamente dal Club Tenco alla carriera di cantautori e operatori culturali e le Targhe Tenco, assegnate al di fuori della Rassegna da una giuria di 200 giornalisti del settore.

Quest’anno si concluderà la quarantesima edizione in programma dal 20 al 22 Ottobre al Teatro Ariston con la partecipazione di vari artisti e dei premiati Motta (Targa Tenco miglior disco d’esordio), James Senese & Napoli Centrale (Targa Tenco miglior disco in dialetto), Niccolò Fabi (Targa Tenco miglior disco assoluto delll’anno). L’ultima serata verrà invece dedicata eccezionalmente a Luigi Tenco, in occasione dei cinquanta anni dalla sua scomparsa, con un evento intitolato “Come mi vedono gli altri…quelli nati dopo”, il cui cast comprende gli italianissimi Morgan, Noemi, Ascanio Celestini, Roy Paci, ecc. e la partecipazione straordinaria del canadese Bocephus King. Tutti gli interpreti invitati hanno meno di 50 anni, cioè sono nati successivamente alla scomparsa di Tenco, e canteranno due pezzi del suo repertorio a dimostrazione di come anche le generazioni moderne possano impadronirsi e mutare un patrimonio artistico dal valore perenne.

La curiosità cresce di giorno in giorno sia nei riguardi nel Premio Tenco, sia in merito al Festival di Sanremo giacchè Carlo Conti, direttore artistico e presentatore, ha rivelato che ci potrebbe essere una sorpresa, quella che lui ha definito: “Una zampata finale che non è mai stata realizzata, magari perché non c’è mai stato il coraggio di farla”, perciò non ci resta che aspettare l’anno nuovo e con lui la ricorrenza dell’amato Tenco.”

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